[sniper]

看到一篇關於構圖的好文章， zt過來，與本壇同學共享。。。

（1）黑白灰

無論彩色片還是單色片,都具有層次(黑白灰),在色彩中一般紅色、紫色、深藍明度低,感覺重,黃色、淺綠等色明度高,感覺輕.有些片子感覺沉悶,就是層次沒拉!一張片,要有一處"白"來透氣,要有一處"黑"來點睛.


（2）點、線、面

一張片子,不管內容多麼復雜或簡單,它內在的構圖要素還是點、線、面.

點線面是相對的,小的面可稱為點,寬的線也可稱為面.一張片,不能全是點,那就叫一地芝麻!不能全是線,那是斑馬!不能全是面,那叫有眼無神.最好點線面都具備,線與線最好不要垂直相交.(那有種機械感)

我們並不是追求點線面為目的,說穿了,點線面,就是在講究畫面內容形狀的處理,避免形狀的雷同.

通常、天空、地面、水面、房屋頂、牆壁等可以稱為面；路、樹幹、水紋、建築物的邊等可以稱為線；遠處的人、近景中的幾片葉、小的窗戶、燈、雲朵等,可稱為點.


（3）光線

光線-----色彩之母,沒有好的光線,一切景物都是死的!!很多朋友容易忽視這一點.比如有一位青島朋友拍的教堂,看得出花了功夫,長焦廣角都用上了,但說實話,效果一般,還屬於生活照,到此為一游,為什麼?就是不注意選擇光線。我們平時看電影,一看到下雨刮風就會想到一場悲劇要上演,特別是一些香港電影中,在一些緊張情節的用光上,簡直誇張到了無以復加的地步,比如晚上毒品交易,一條長街道,街道盡頭一盞巨大的藍色背景燈,一人影或一線車從背景中出來,長焦,有用軍用望遠鏡看的那種感覺,有時為營造效果,還得放一些煙霧。在一些銜接鏡頭的處理上,也很誇張,“嘎”的一聲,車停,
門開,一雙錚亮的皮鞋,逆光,長長的腳影...還有,倉庫的排氣扇不停的轉,一道道的光影……這些用光的表現手法雖然粗俗,但這是最好的教材.


（4）透視

透視——近大遠小的視覺規律，還包括：近高遠低，近長遠短，近實遠虛，近處色彩鮮艷，遠處色彩變淡變淺變灰。

透視是表現空間感的有力手段！通常廣角透視誇張，空間、立體感得到強化；長焦則壓縮透視，前後物體貼得緊，空間感不強。（我們有時也把這種強列的透視變化稱為視覺沖擊力，但不是全部）


5）色彩

色彩——不僅僅指顏色，還是一種感受，一種比較，一種心理，一種修養。

可以這樣分類：明度，純度，色相，對比色，調和色，冷色，暖色，環境色，光源光，補色，視神經，色彩的聯想，色彩的重量……太多了，講不完，講幾條主要的。

色彩的聯想：

紅色：代表激情，精力充足，殘暴

藍色：高貴，冷淡，傷感，憂郁，沉靜，懦弱……

黃色：天真，活潑，明朗……

綠色：希望，和平……

紫色：高貴，高雅，不穩定，神經質……

橙色：熱情，外向，低檔……

白色：（和黑色一樣，嚴格的說不算顏色）純潔，做作……

黑色：死亡，消極、神秘……


視神經：舉個例子，眼睛盯著一張紅紙一段時間，紅紙移開，眼前會出現一片綠色，為什麼？視神經的調節現象。

補色：就是最相反的顏色（教科書上說的是色輪中對立的顏色）與人的感受有關，比如，紅與綠，黃與紫，藍與橙……(應為紅與青、黃與藍、天藍與橙——編者注）

冷色：青、藍、紫等象征冰和海水的顏色……

暖色：紅、橙、黃等象征火焰的顏色……

對比色：色相上差別大的顏色：紅與藍，藍與黃，橙與綠，白與黑……

調和色-類似色-臨近色：色相，明度上比較接近的顏色：紅與紫，藍與紫，黃與橙，黃與綠，綠與藍，黃與白，橙與紅……

光源光：主要指光源的冷暖。

環境色：色彩與色彩間的相互影響。以一個放在窗台上的紅蘋果為例：陰天，光源色是冷的，蘋果的受光部可能變為帶冷色的品紅，背光部可能受環境色的影響而呈帶暖灰的大紅、蘸紅色；晴天，則相反，所以說色彩不是孤立的固有色，而是受光源、環境影響的復合色！！！

色彩的輕重：色彩有重量。紅、藍、黑、深紫、深綠屬重量級；黃、粉紅，淺綠，淡紫屬輕量級。


（6）質感與視覺心理

質感、視覺心理——（風馬牛不相及的事，放在一起講算了）

人的眼睛對什麼亮度最覺舒適？

好像還沒有誰研究過，不過肯定不是純白或純黑！就像我們的房子室內裝修一樣，我們現在一般不會用純白色來塗牆壁，那樣太刺眼，不柔和。

人的眼睛對什麼色比較覺舒適？

有人馬上會說：我喜歡藍色、我喜歡紅色……這只是性格決定對色彩的偏向，先把它放一邊。我想，太灰，太純的顏色對人的眼睛都不合適。整體而言，淺灰色是令人舒服的，但有時也需要有對比，比如說你喜歡吃牛肉，但不能餐餐吃牛肉；你喜歡紅玫瑰，但又討厭到處都是玫瑰紅。當然，有人喜歡強烈對比，喜歡刺激，喜歡紅衣服綠背景，這……這……有點俗。

人的眼睛還有一些不喜歡：不喜歡抬頭看太陽，不喜歡某些時候的逆光，不喜歡太光滑，太人造的東西……（說到質感上來了）

質感——人的手也好，眼睛也好，都喜歡觸摸令人愉快的東西，這可能就是質感吧。大自然中的一些東西，如水、石頭，原木、沙灘，以及一些人造的東西，如絲綢、麻料、打火機、斑駁的舊牆，嬰兒的臉……總是令人愉快的。是它們的質地使人愉快，沒有社會原因，就象男人愛女人，是天性……


（7）攝影的特征

我不能理解一些老玩家玩大型機器，好像很懂套路，什麼區域曝光了，什麼解像力了，什麼顆粒了（職業需要的例外），那不是攝影，那只是玩過程，他們與工匠沒區別！

那麼，攝影是什麼呢？——我們應該跳出這個圈子，橫向比較：攝影、繪畫、雕塑、電影電視、都是一門視覺藝術，各自具有鮮明的特點，攝影的特點應該可以理解為，時間、空間、瞬間，（有人幹脆說是瞬間的藝術）這是攝影的靈魂！

攝影作品應該具有一種味道，一種照片味。（這裡面應該包含一些元素：顆粒感、質感、瞬間的凝固……）

有些人對攝影走進了種種誤區，就是把根本的目的忘了，而把一些技術手段當成了最終目的！比如，以單純追求層次細節為美（那些玩大型機的最講究這個了），以追求景物本身的美為美（千裡迢迢出門，就算拍回了幾張精致的明信片又怎麼樣？）；比如以追求光線氛圍為美；以追求質感為美；還有的幹脆以各種焦段帶來新鮮的視覺感受為美……這些都是輔助手段，是一盤菜中放的調料。

如果有人說：這片拍得好啊，像一幅水墨畫。那麼這不是一張很成功的照片。

如果有人說：這畫畫得好啊，像一張照片。那也肯定不是一幅好畫。

畫有畫的味：畫畫講究筆觸，講究過程，講究寫意，講究似是而非……特別是寫意國畫。

我在想，時代在發展，相機的功能也在逐步變化，從一種非常嚴肅的記錄工具，變為一種創作工具吧。就像繪畫，由最初的留影寫實功能變為純藝術，因為相機的出現，使最高明的畫家也比不上最低劣的相機。而攝像機、電影電視的出現，使相機的作用又發生一些微妙的變化。相機可能介於繪畫、攝像之間，這個位不好定。

有些人喜歡拍組照，一些大師們評片時總喜歡說：不錯，如果拍成一個系列可能更好。我不這麼認為，這是過份強調了相機的功能，拍組照，還不如拍電影記錄片，因為電影更適合。

單張、經典——正是攝影的魅力。（傳世作品中，組照比例極少。）


（8）黃金分割

黃金分割、畫面中一個點與周邊塊面的關系。

我們平常說的黃金比，即0.618的比例，大約處在1/3的位置上，據說是從維納斯雕塑中發現這一美的規律，不是說處在這個點上的東西就美，而是指處於這個點上，整體就協調，很舒服。數字1-10中，7是最有品位的，因為它正處於黃金比上。

有人認為黃金比是小兒科，用多了，就時不時玩一把正中的、對稱的“破常規”構圖，這很膚淺！最近我在想，黃金比絕不僅僅是把人或物體安排在畫面1/3處這麼簡單！絕不是一條線中某個點的位置！——它是全方位的，立體、綜合之比。它包括：

1、一條線上某個點的比例：---*--------這根線可以是縱向的。

2、面與面之間的比例；

3、黑、白、灰之間的比例；

4、色調冷暖、色塊顏色之間的比例；

5、光線明暗之比例；

6、……（沒想好）

我們見過高手下圍棋，開局第一顆棋子落上去，嘿嘿，那是眼觀四路，耳聽八方，氣象萬千，講究的就是一個比例與精確啊。

一張照片，從某個角度來說也是如此。畫面關鍵性的“點”的位置，起到了對整個畫面的分割和分配作用！！！畫國畫的人最講究這一點了，一筆下來，落在什麼位置，對畫面空間的分配起到什麼作用，需要左看右看，上看下看。並不是為畫什麼而畫什麼，實際上是在經營空間，而這個空間不能雷同。所以國畫中的技法中常說什麼：“疏可跑馬，密不透風”、“知白守黑”等等，其實都是指如何避免塊面的雷同。

不厭其煩，再舉些例子：拍一個物體，假設背景是純的，如果這個主體在正中間，那麼不是指這個位置不好，而是指這個物體四周空白的面積大小相同，不美！移動一下物體，周圍空間面積大小便發生了變化，這就是我所說的畫面中一個點與周邊塊面的關系。

不管拍什麼，都可以把畫面中的一切具象物體看成是一個點，一塊面，一根線，（空白也是如此）這時候，你就達到了“看山不是山”的境界了（這可不是最高境界。

最後需要說明的是，我有些話很片面，有些強調得過了頭，但都是為了說清這個理。不對的地方，請高手指正！

[octane]

謝謝Sniper的轉貼。 我又新建了一個專區，專門收集轉貼的文章。希望大家以後在轉發文章時在標題中盡可能使用 （ZT) 字樣，以便查找。

[幾筐磚]

不頂就對不起人了，燒人後終於恢復了理智，革命要在農村從娃娃抓起

[happyworld]

學習中

[sniper]

俺發現構圖是如此的重要，攝影者從平常中拍出好片片，好的構圖尤為重要。 所謂見常人所不見。看到好的關於構圖的文章， 俺一定會zt到這兒來。。。

O版建zt的專輯是很好的想法。。。。

zt 布勒松關於構圖

卡蒂埃—布勒松 ---論攝影構圖
　“構圖”一詞源於拉丁語，其本來意思為結構、組成或聯結，而在攝影中則是指畫面的安排，確定畫面內各個組成部分的相互關系，以便最終構成一個統一的畫面整體。這也就是攝影者為了表達思想內容而創造的整個造型結構，其中包括光與影，線條與色調等造型要素的組合。
　　迄今最負盛名的攝影構圖大師，也許是法國著名攝影家亨利.卡蒂埃—布勒松。在長期的攝影實踐中，他鍛煉出了一雙極其敏銳的眼睛，以至於他拍出的照片常常帶有信手拈來的風格，但卻都是深思熟慮的結構協調的作品。有趣的是，他的大部分作品都是用50nlm的標准鏡頭拍攝的，而極少用351nm或99mm等鏡頭拍攝。在攝影構圖方面，布勒松有許多精辟的見解。l952年，他在《決定性的瞬間小—文中指出：

　　“一幅照片，要把題材盡量強烈地表達出來的話，必須嚴格地建立起形式之問的聯系。攝影隱含有辨識功能，就是把真實事物世界的節奏辨識出來。眼晴的工作，就是在大堆現實事物中，找出特定的主體，聚焦其上。照相機的任務，只不過是把眼睛所作的決定記錄在膠卷上而己。正如對繪畫作品一樣，對待攝影作品，我們也是將它當作整體來觀看和感受的，而這個整體，我們只須一瞥便可把握。在攝影 作品中，構圖實際上就是眼睛所見到的不同元素的同時組合和有機組織的結果。由於內容和形式是不可能分割的，因此，構圖是不可能事後補上的，不可能作為一種補貼在基本素材之上的事後設想。換句話說，構圖必須具有必然性。

　　“攝影具有新的可塑性，就是主體運動時瞬間出現的線條所形成的。我們配合著運動而進行拍攝，仿佛運動本身就是按照著自己的預定方式展露著的生命似的。但是，在運動的過程中，會有特別的時刻，當這一瞬間出現時，動態進行中的各項因素都處於平衡狀態。攝影的任務，就是要抓住這一瞬間，將其中的平衡狀態把穩，並凝結動態的進行。”

　　布勒松認為：“攝影家的眼睛，永遠都在評估出現在他眼前的事物。他只須移動1毫米的幾分之一，便可以把線條吻合起來。他只須稍微屈膝，便可以將透視改變。把照相機放置在離主體近一些或遠一些，他便可以刻畫出某一細節——這細節，既可能相得益彰，也可能喧賓奪主。然而，對照片進行構圖所需的時間，幾乎是跟按動快門的時間一樣的短，因為兩者同是條件反射而已。

　　“有時，你得拖延一會兒，以等待適當的時機出現。有時，你會感到眼前的景物萬事俱備，幾乎可以拍成好照片了，只是還缺一點什麼。缺的究竟是什麼呢?也許，有人突然走進你的視線范圍。你透過取景器，追蹤他的行動。你耐心等待著，最後終於按下了快門。你抱著大功告成的感覺(雖然你不知道為什麼)，滿意地離去了。以後，為了落實這種感覺，你可以把影像印成照片，細心分析照片中的幾何圖形。如果快門是在決定性的瞬間按下的話，你會觀察到，原來你已本能地將某一幾何模式捕捉下來了。要是沒有了這幾何模式，照片就會令人感到乏味，缺乏生氣。”

　　布勒松指出：“構圖是我們永遠必須全力以赴的首要任務。然而，在拍攝的那一瞬間，它卻只能從直覺中產生，因為我們當時是在捕捉稍縱即逝的時刻，而且，它所牽涉到的種種相互關系，都處在運動之中。應用黃金分割時，攝影者除了自己的眼睛之外，便沒有什麼規矩准繩可以遵循。任何幾何分析，任何將照片之繁化為線條形式之簡的工作，都只能在照片拍攝沖印之後進行。但是此時所能做的只是於事 無補的事後檢查而已。我希望永遠都見不到攝影機的取景器裝上構圖格出售，磨砂玻璃上也不會畫上黃金分割的線條。” 布勒松是十分反對對拍攝好的照片進行任何剪裁的。

　　他認為：“對一幅好照片進行剪裁，那就無疑等於將正確的比例關系抹殺掉。況且，構圖差的照片，能夠通過暗室放大機將其剪裁而改為成功的例子，是絕無僅有的。因為，這樣一來，當時視覺上的完整結合已不復存在了。關於照相機的角度，已有很多人討論過了，然而，唯一有效的角度，只是幾何構圖上的角度，而不是由攝影師為了取得什麼效果而俯伏在地上，或做些滑稽可笑的動作所得到的無中生有的角度。”

[會飛的胖子]

俺BS那些動不動奏趴在地上滴大師

[sniper]

會飛的胖子 寫道:

俺BS那些動不動奏趴在地上滴大師

因為那是狗仔隊的角度？

[hippo]

thanks 黑槍, learning from these攝影構圖. google some pps took by 法國著名攝影家亨利.卡蒂埃—布勒松, found some great amazing pps ..... like to share with everyone.... wow....

group.zol.com.cn/frmView.php?u=http

[animalland]

hippo 寫道:

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暗房工夫強的...

[頂爺]

其實照片的本身已經是對現實生活的一個裁減, 對於後期處理當中的裁減, 我覺得從意義上來說沒有過大的區別, 為什麼大師極力不推薦事後處理呢?